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Les couleurs du Midi dans l’œuvre de David Hockney

PAR RACHEL RENARD

David Hockney est inspiré par les grands maîtres qui ont fait l’histoire de l’art, notamment ceux ayant peint la Provence tels que l’artiste néerlandais Van Gogh (1853-1890), ou encore le peintre aixois Cézanne (1839-1906). La dernière salle de l’exposition sur David Hockney, Collection de la Tate au musée Granet est une belle démonstration de cet intérêt pour les grands maîtres du sud.

La scène de genre, les joueurs de cartes

Dans son œuvre A bigger card players, réalisée en 2015, David Hockney trouve son inspiration dans l’œuvre de Cézanne. Ce dernier a traité ce thème des joueurs de cartes en cinq versions différentes entre 1890 à 1896.

Peinture de David Hockney, "A bigger car players" datant de 2015
David Hockney, A bigger card players, 2015, Photographic drawing printed on paper mounted on aluminium, 177,2 x177,2 cm, Londres, Tate.

La scène de genre peinte par Cézanne vers 1890-1892 semble être la plus en adéquation avec le tableau de David Hockney. En effet, on retrouve, au sein de l’œuvre, un tableau peint qui fait écho à la scène qui se joue en premier plan. Dans ce tableau sont représentés trois personnages assis, jouant aux cartes, le quatrième est debout, il contemple la partie en cours, tout comme dans l’œuvre de Cézanne. En réalisant ces diverses versions de cette scène de genre des joueurs de cartes, l’artiste aixois trouve son inspiration dans l’œuvre, Les joueurs de cartes, peinte aux alentours de 1635-1640 par les Frères Le Nain1. Antoine (circa 1597-1648), Louis (circa 1600-1648) et Mathieu (1607-1677)2. L’œuvre est conservée au musée Granet. Cette scène de genre représente quatre personnages qui, selon la tradition iconographique des parties de cartes en peinture, incarne les âges de la vie, allant de la jeunesse à la vieillesse3. Deux personnages jouent tandis que les deux autres personnages contemplent la partie. De manière générale, les scènes de parties de cartes sont liées à la tricherie, à la duperie, David Hockney, dans son œuvre, fait poser ses amis, cela semble contrebalancer avec cette idée de tromperie, de trucage, car nous pouvons imaginer qu’une partie honnête, entre amis, se joue ici.

Peinture des Frères Le Nain "les joueurs de cartes" datant de 1635-1640
Les Frères Le Nain, Les joueurs de cartes, 1635-1640, peinture sur toile, 63 x76,2 cm, Aix-en-Provence, musée Granet.

Dans l’œuvre de David Hockney, accrochée au mur à droite du tableau, se trouve une veste bleue. Cette dernière est un clin d’œil au tableau de Cézanne puisque l’artiste aixois mettait en scène des ouvriers du sud-est de la France habillés en bleu de travail, le sarrau. Cette représentation des joueurs de cartes peut nous faire penser à une scène du film Marius, de Marcel Pagnol, où quatre personnages, Escartefigue, Panisse, César et Monsieur Brun, jouent une partie de cartes, plus ou moins honnête. On retiendra cette phrase célèbre : « tu me fends le cœur ». Cette scène, par ailleurs, est mise en avant au sein de l’œuvre de Louis Audibert (1880- 1983), peintre marseillais du XIXe siècle, La partie de carte de Marcel Pagnol4.

Perspectives multiples

Dans cette même œuvre, A bigger card players, la perspective est revisitée, le point de fuite unique est mis de côté afin d’adopter les multiples points de vue du regard. La table verte, par exemple, détient une perspective inversée. Cette perspective revisitée se retrouve dans l’œuvre de Cézanne. L’artiste marque une rupture avec la tradition de la Renaissance et la perspective linéaire qui fait loi depuis des siècles5. Cézanne observe chaque objet sous un point de vue différent, les perspectives de ses paysages sont fuyantes. L’artiste, tout comme David Hockney, rompt avec cette vision linéaire, centrale, mise en avant, notamment, dans l’art de la photographie6. Dans l’œuvre de Cézanne Route sinueuse à Montgeroult, réalisée en 1898, et conservée au MoMA ou encore dans Route tournante en haut du chemin des Lauves (Bâle, Fondation Beyeler), datant de 1904-1906, le thème de la route tortueuse est mis en avant, et cette représentation se retrouve dans l’œuvre de l’artiste anglais au travers des chemins zigzagants que l’on peut voir dans l’œuvre Mulholland Drive : The Road to the Studio7, par exemple. La perspective, dans cette dernière œuvre, semble en mouvement, la route s’allonge, se plie, se déplie, comme un accordéon8.

Francis Hodgson, Professeur à l’Université de Brighton en culture de la photographie, rédige une critique dans le Financial Times, au sujet du regard multiple de l’artiste David Hockney, en parlant de son œuvre, A bigger card players :

Hockney isn’t trying to kid us : he leaves the traces of his multiple-angled gaze fully visible. A face is perfectly sharp, seen from close. But so is the carpet four or five feet lower. The lines on a floor move in several different directions, as they really do as you move over them. In life, we move our eyes to acquire the information that the brain processes into a “view”. That’s what Hockney has done9.

HODGSON Francis, “David Hockney, painting and photography”, Financial Times, May 22 2015.

Ainsi, l’artiste anglais revendique un regard global sur le monde et pas seulement une vue avec un point de fuite unique. Dans ses diverses œuvres laissant se profiler des routes sinueuses, ondulées, David Hockney rend hommage au Maître aixois, créateur de paysages aux perspectives multiples.

Cézanne, David Hockney : deux portraitistes, deux pratiques différentes

Tout comme Cézanne a pu le faire à la fin du XIXe siècle, David Hockney portraiture son entourage, sa mère, ses amis, tels que Celia Birtwell – présente dans l’une de ses « conversation pieces », Mr And Mrs Clark and Percy (1970-1971) – Henry Geldzahler, ainsi que lui-même. Dans l’une de ses œuvres, My parents (1977), la position de la mère de David Hockney fait écho à la posture prise par la femme de Cézanne, Hortense Fiquet, dans plusieurs tableaux, tels que Madame Cézanne en bleu (1888-1890), et Madame Cézanne (circa 1890). Sa femme est assise sur une chaise, les bras croisés posés sur ses cuisses, tout comme Laura Hockney, qui se tient droite. Cézanne étudie la composition du visage et du corps humain sur la toile. Selon lui la technique supplante l’âme de la personne qu’il peint : « on ne peint pas des âmes. On peint des corps, et quand les corps sont bien peints … l’âme transparaît10. » David Hockney contrecarre cette façon de procéder :

The problem for me was the figure not wanting to paint the figure in. I’ve said this many times before, the thing Cézanne says, about the figure being just a cone, a cylinder and a sphere: well it isn’t. His remark meant something at the time, but we know a figure is really more than that, and more will be read into it. To say it is just that means you would reject a great deal of Renaissance painting; this is what it’s about; it is that. You cannot escape sentimental —in the best sense of the term— feelings and associations from the figure, from the picture11.

NAUGRETTE Jean-Pierre, « David Hockney : conversation pieces, 1960-1985 », L’Art dans l’art, 2000.

Pour Cézanne tout est dans la technicité et l’étude de la composition, la figure est vue comme un bloc. Le visage est travaillé comme est travaillé un objet. Pour David Hockney, l’âme et le sentiment font partie intégrante de l’art du portrait.

Un hommage à Van Gogh

Dans son œuvre nommée La Chaise et la pipe de Vincent, datant de 1988, David Hockney rend hommage au peintre Van Gogh et reprend La chaise de Vincent (1888) réalisée cent ans plus tôt.

Peinture de David Hockney " La Chaise et la pipe de Vincent" datant de1988
David Hockney, La Chaise et la pipe de Vincent, 1988, acrylique sur toile, 121,9 x 91,4 cm, Londres, Tate.

Dans le cadre du centième anniversaire de l’arrivée de l’artiste néerlandais au sein de la ville d’Arles, la Fondation Vincent van Gogh, située dans cette même ville, demande à plusieurs artistes de lui rendre hommage. David Hockney fait partie de ces peintres contemporains invités, et dans ce cadre, crée divers tableaux mettant en avant la chaise de Van Gogh, en y ajoutant sa touche personnelle12. Il la représente en perspective inversée, de la même manière qu’il représente la table dans l’œuvre vue précédemment, A bigger card players. Il dépose sur cette chaise une pipe, celle de Van Gogh. David Hockney semble garder, au sein de cette œuvre hommage, la palette de l’artiste néerlandais. Sur le tableau, l’artiste a clairement noté : « Painted by David Hockney in homage 1988 ». Son admiration pour le peintre de paysages provençaux s’exprime dans cette citation :

Depuis toujours lorsque j’étais étudiant, Van Gogh comptait parmi les peintres qui me bouleversaient, tant par son œuvre que par sa correspondance. Lorsque je vins à Arles en 1985, invité par les Rencontres photographiques, j’eus l’occasion d’être convié à un dîner dans le célèbre jardin de l’hôpital d’Arles qu’avait peint Vincent. A deux pas se trouvait la cellule d’internement où il avait séjourné à plusieurs reprises… Je m’y rendis. J’étais ému de me trouver face à ce petit espace noir, j’y songeais longtemps encore et me décidais à réaliser cette peinture pour lui.

Citation que l’on peut retrouver au sein de l’article suivant, sur le site du Musée Angladon, Collection Jacques
Doucet
.

Déjà en 1977, cette admiration était perceptible dans Looking at Pictures on a Screen, où est représenté un homme, Henry Geldzahler, debout. Il contemple une œuvre du peintre Degas (1834-1917)13. On trouve dans cette œuvre, aux côtés des peintures de Vermeer, Piero Della Francesca et Degas, Les Tournesols de Van Gogh.

Les similitudes avec Van Gogh

Dans l’ouvrage de Martin Gayford, Conversations avec David Hockney14, le critique d’art fait part de sa conversation avec l’artiste anglais au sujet de Van Gogh et du dessin. David Hockney discute des similitudes qu’il entretient avec l’artiste qu’il admire. Van Gogh a travaillé dans une petite ville de province, Arles, éloignée du centre névralgique du monde de l’art. David Hockney, quant à lui, a réalisé ses premières œuvres dans la région du Yorkshire assez loin de la sphère artistique. Leur expérience se rejoint dans le changement de lieu de création et le voyage des deux artistes dans une région plus ensoleillée. À ce propos, l’artiste anglais s’exprime face au critique d’art Martin Gayford :

Bien entendu, il pouvait déjà observer beaucoup de chose quand il vivait dans le Nord. Mais il y a une clarté supplémentaire dans le Sud. On y voit beaucoup mieux, tout simplement parce qu’il n’y a plus ces horizons brumeux et cette vapeur d’eau suspendue dans l’atmosphère. Il est évident que vivre dans le sud de la France a procuré beaucoup de joie à Vincent, et que cela a rejailli dans ses peintures. C’est ce que l’on ressent quand on les regarde. Elles sont incroyablement directes. Je me souviens que dans certaines de ses lettres il disait qu’il voyait mieux que d’autres personnes. Sa vision était intense.
[…]
J’ai passé les vingt premières années de ma vie à Bradford, c’est-à-dire encore plus au nord que la région des Pays-Bas où vivait Van Gogh quand il était jeune. Bien entendu, cela a une incidence de l’ordre chromatique, sur la façon dont on regarde les choses.

GAYFORD Martin, Conversations avec David Hockney, Paris, Édition du Seuil, 2011, p. 183-185.

Ce changement d’environnement a un impact sur la gamme chromatique des deux artistes. Van Gogh est fasciné par les paysages du Midi qu’il découvre. Les couleurs dans ses tableaux, comme Moisson à la Crau avec Montmajour en arrière-plan (1888, Van Gogh Museum), sont lumineuses. David Hockney, arrive dans les années 1960 aux Etats-Unis et choisi de poser ses valises en Californie. Dès lorsqu’il arrive à Los Angeles, sa manière de peindre évolue. Il est fasciné par les paysages offerts par cette région ensoleillée qui regorge de piscines, de grandes maisons, et d’une lumière intense qui fait resurgir les couleurs15.

La palette de David Hockney évolue encore lors de son excursion au Mexique, alors qu’il est contraint de résider dans un hôtel après une panne de voiture. Dans son œuvre A walk around the Hotel Courtyard, Acatlàn, réalisée en 1985, les couleurs sont vives, percutantes, intenses16.

David Hockney fait part de son admiration pour le talent de l’artiste néerlandais en dessin : « Je pense que Van Gogh était un grand, un très grand dessinateur17. » Il réalise un parallèle entre Van Gogh et Rembrandt (1606-1669) et leur empathie face aux modèles dont ils font les contours18. Cela fait écho avec les portraits croqués par David Hockney où l’on peut déceler une certaine empathie et une tendresse dans les tracés. Celui de sa mère, Portrait of the Artist’s Mother, Mrs Laura Hockney, Bradford (1972), par exemple, dont les traits fins tiennent compte des rides et des plis de la peau.

Conclusion

David Hockney porte un intérêt particulier pour les artistes de la Provence. De Cézanne à Van Gogh, les couleurs du midi et leur résonance sont retranscrites au sein des œuvres du peintre anglais. De la scène de genre des joueurs de cartes, portée par Cézanne, et représentée sous divers médias dans l’œuvre de David Hockney. À la chaise emblématique du peintre néerlandais, admiratif de la Provence. David Hockney s’inscrit dans la lignée des grands Maîtres qui ont fait l’histoire de l’art, tels que Cézanne, Van Gogh, Piero Della Francesca, Vermeer, Degas, et autres artistes, ce qui lui permet de s’ancrer au sein d’une tradition picturale et de revendiquer son intérêt pour l’histoire de l’art.

Bibliographie :


  1. JOVER Manuel, « Les joueurs de cartes de Cézanne : focus sur un chef-d’œuvre », Connaissance des Arts, 20 septembre 2020, [en ligne], [URL : https://www.connaissancedesarts.com/arts-expositions/art-moderne/les-joueurs-de-cartesde-cezanne-1115262/] , consulté le 20 mars 2023. []
  2. GRANDSART Hervé, « Le mystère Le Nain au Louvre-Lens », Connaissance des Arts, 21 mai 2017, [en ligne], [URL : https://www.connaissancedesarts.com/arts-expositions/vendredi-lecture-le-mystere-le-nain-au-louvre-lens1168060/], consulté le 23 mars 2023. []
  3. JOVER Manuel, op.cit []
  4. Œuvre de Louis Audibert présente dans l’ouvrage suivant : BOULANGER Patrick, Regards de Provence, quatre siècles de peinture. Cent peintures sur la Provence, Marseille, Association Regards de Provence, 2004. []
  5. REFF Theodore, BOUNIORT Jeanne, « Cézanne et la perspective : quelques remarques à la lumière de documents nouveaux », Revue de l’Art, n°86, 1989, p. 8-15, [en ligne], [URL : https://www.persee.fr/doc/rvart_0035-1326_1989_num_86_1_347799], consulté le 19 avril 2023. []
  6. WOLF Laurent, « Expositions », Études, 2017/9 (Septembre), p. 107-110, [en ligne], [URL : https://www.cairn.info/revue-etudes-2017-9-page-107.htm], consulté le 23 mars 2023. []
  7. NAUGRETTE Jean-Pierre, « David Hockney (1980) et David Lynch (2001), auteurs de Mulholland Drive », Ligeia, 2007/2 (N° 77-80), p. 223-233, [en ligne], [URL : https://www-cairn-info.lama.univ-amu.fr/revue-ligeia-2007-2-page223.htm], consulté le 24 mars 2023. []
  8. Ibid. []
  9. HODGSON Francis, “David Hockney, painting and photography”, Financial Times, May 22 2015, [en ligne], [URL : https://www.ft.com/content/dc372546-fe3c-11e4-8efb-00144feabdc0], consulté le 26 mars 2023. []
  10. LAUTRÉAMONT Agathe, « Les portraits de Cézanne se révèlent au Musée d’Orsay », Beaux-Arts Magazine, 2017, [en ligne], [URL : https://www.beauxarts.com/expos/les-portraits-de-cezanne-se-revelent-au-musee-dorsay/]. []
  11. NAUGRETTE Jean-Pierre, « David Hockney : conversation pieces, 1960-1985 », L’Art dans l’art, 2000, [en ligne], [URL : https://books.openedition.org/psn/3959?lang=fr], consulté le 27 mars 2023. []
  12. LUTZ Eitel, David Hockney, une chronologie, Hohenzollernring, Taschen, 2021. []
  13. NAUGRETTE Jean-Pierre, « David Hockney : conversation pieces, 1960-1985 », L’Art dans l’art, 2000, [en ligne], [URL : https://books.openedition.org/psn/3959?lang=fr], consulté le 27 mars 2023. []
  14. GAYFORD Martin, Conversations avec David Hockney, Paris, Édition du Seuil, 2011. []
  15. HAYAT Nicole, « Les points de vue californiens de David Hockney », Tema.archi, 2017, [en ligne], [URL : https://tema.archi/articles/les-points-de-vue-californiens-de-david-hockney] []
  16. 17. L’œuvre est présente au sein de l’exposition du Musée Granet David Hockney, Collection de la Tate, dans la salle « Mooving Focus 2 » []
  17. GAYFORD Martin, op. cit. p. 186. []
  18. Ibid. p. 187-188. []

OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Nathalie Bertrand (19 septembre 2023). Les couleurs du Midi dans l’œuvre de David Hockney. SPLASH. Consulté le 16 juin 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/uja1


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